Música de arte é um termo geral frequentemente usado para descrever música cuidadosamente cultivada, particularmente em sociedades ocidentais, e em contraste com a música pop e folk. Música de arte é um termo que abrange tradições musicais que aplicam considerações estruturais e teóricas avançadas com uma tradição musical escrita. Em países ocidentais, a música clássica é a principal tradição. A música de arte tem duas extensões, sendo música séria ou música leve . Desde a antiguidade, o gênero de música de arte existia ao lado de outras músicas e se desenvolveu ao longo dos períodos de tempo, da Idade Média aos tempos contemporâneos. Não há características marcantes do estilo, pois o tempo trouxe mudanças e diferenças significativas para cada geração.
5. Visão geral e características –
Música de arte é um termo genérico que descreve a música originária da música clássica ocidental. Em outras definições, por exemplo, Catherine Schmidt-Jones define música de arte como música que exige mais trabalho e atenção do ouvinte para apreciação completa do que a música popular média. Para Catherine, música de arte inclui tipos de música desafiadores, como jazz, rock e música clássica. Em geral, música de arte é música altamente formalizada na qual a maioria, se não todos os elementos, são especificados antecipadamente em forma escrita, e não improvisados ou deixados a critério do intérprete. Música de arte se refere a tradições clássicas que se concentram em estilos formais, convidando à desconstrução e crítica técnica e detalhada e, ao mesmo tempo, exigindo significativamente mais esforço do ouvinte. Música de arte é principalmente uma tradição musical escrita, preservada em notações musicais em oposição a transmissões orais, de notas ou de gravação, como visto na música moderna e tradicional.
4. Origens –
A música como um todo remonta à antiguidade e é sem dúvida a mais celebrada de todas as descobertas ou invenções da humanidade. A música erudita como gênero começou por volta do século XI. O sistema de notação de pauta que caracteriza a música erudita remonta a muito antes do século XVI. A notação de pauta ocidental era usada por compositores para expressar tons, métrica, andamento e ritmos para o intérprete. As normas centrais para a arte da música ocidental começaram em 1550-1900. Monges em igrejas cristãs costumavam cantar sinfonias clássicas e românticas por volta dos anos 1700 e 1800. Mais adiante, especialmente antes do início do século XIX, música instrumental sofisticada, como o concerto, a sonata, a sinfonia, vocais mistos e estilos instrumentais como óperas, que são desenvolvidos para dar à música erudita uma sensação distinta de outros tipos de música. A relação da música erudita com a música folclórica tornou-se aparente no século XVIII, quando intelectuais ocidentais começaram a glorificar a vida popular e camponesa. Entretanto, o nome “música clássica” só apareceu no início do século XIX, com a primeira referência ao termo “música clássica” aparecendo em 1836.
3. Propagação e Desenvolvimento –
As divisões da música de arte ocidental incluem o período medieval (500-1400), o renascentista (1400-1600) e o período de prática comum, que inclui o barroco (1600-1750), o clássico (1750-1820) e o romântico (1804-1910). O período do século XX foi composto pelo moderno (1810-1930), o moderno alto (meados do século XX) e o contemporâneo (1975 até o presente). A era medieval é a data mais longa e o registro mais remoto da música de arte. A música de arte remonta aos tempos medievais com a introdução do famoso canto gregoriano nos serviços da Igreja Católica. A música ocidental então atingiu uma forma de arte à medida que as notações musicais avançavam e o foco mudava para temas mais seculares no período renascentista. À medida que a era barroca se instalava, a música experimentou uma expansão de alcance e complexidade. Na era clássica, a música de arte desenvolveu um poder emocional associado a compositores como Wolfgang Amadeus Mozart. O período romântico transformou os estilos e formas rígidos descendentes da era clássica em uma estilização individualista. A tonalidade estava no auge no período romântico, e então a música impressionista surgiu e permitiu o uso de dissonâncias extremas vistas na música da era moderna e continuou na música contemporânea de hoje. Conforme os tempos mudavam, a música também mudava. Dos tempos medievais, quando o boca a boca passava a música, aos tempos modernos, onde a tecnologia que afeta a mídia de massa e o transporte facilita o compartilhamento de estilos e abordagens musicais. Alguns dos desenvolvimentos significativos no gênero incluem o impressionismo , desenvolvido na década de 1890 pelo compositor francês Claude Debussy com base no eufemismo, efeitos desfocados e no uso criativo da cor. O expressionismo foi desenvolvido por um austro-alemão como uma expansão flagrante do romantismo wagneriano com base em textos ou ideias graficamente mórbidas trazidas à tona na consciência do ouvinte pela atonalidade. Em meados da década de 1920, Webern e Schoenberg promoveram o serialismo de 12 tons , no qual os tons cromáticos do piano moderno são organizados em uma fileira ordenada usada para frente, para trás e em uma imagem espelhada em qualquer direção.
2. Praticantes notáveis -
No período renascentista, alguns dos compositores famosos incluíram Guillaume Dufay, Antoine Busnois e Gilles Binchois no início do século XV. No período barroco, a instrumentação era comum, e o uso do cravo era generalizado. Os compositores notáveis durante o período foram Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi e George Frideric Handel. O compositor notável do período clássico e de longe o mais famoso de todos foi Wolfgang Amadeus Mozart, que foi um compositor prolífico e influente da era clássica. Outros compositores de transição para o romantismo incluíram Franz Schubert e Ludwig van Beethoven.
1. Maior significado e legado –
Dizem que a música é a linguagem da alma. Em contraste com a música pop, a música de arte dá pouca importância à rima, focando mais na formulação e na informação contida nela. Exigindo mais atenção do ouvinte para que ele ou ela aprecie a arte, a perícia e o significado dos versos, a música de arte transformou a dinastia musical em um porto de afeições e tonalidades humanas. Ela remodelou as maneiras pelas quais a música é entendida e, finalmente, mudou radicalmente as concepções e visões clássicas do poder da música. O verdadeiro legado da música de arte é a promoção de um novo tipo de humanismo musical que depende mais da melodia e da harmonia e não do ritmo, textura e tom vistos nas culturas pop. A música de arte conectou significativamente a música e a mente dos ouvintes e, finalmente, desenvolveu nossa noção moderna de música como uma arte pensativa e expressiva.